Ivresse de Lune

La Maison de France presenta:
CITA CULTURAL FRANCESA CON GRANADA 13ª ed.
Les mille et une Europes ou l’Esprit des Lumières
Concierto Ivresse de lune

Ivresse de lune

01 de noviembre 20:30 h.
GRANADA – Auditorio Manuel de Falla


Música post romántica de finales del siglo XIX, principios del siglo XX. La locura de la luna “Ivresse de Lune”, símbolo de transformación, se refleja en este concierto de música franco-austriaca.
Programa:
Tres poemas de Mallarmé -Claude Debussy
Cinco melodías populares griegas-Maurice Ravel
Pavana para una infanta difunta-Maurice Ravel
Pierrot Lunaire-Arnold Schoenberg (poema de Albert Giraud)
Solistas de la OCG y Gohai Ensemble:
Flauta: Juan Carlos Chornet
Clarinete: David Calvo
Violín: Atsuko Neshiri
Viola: Donald Lyons
Violonchelo: Arnaud Dupont,

Piano: Miguel Ángel Acebo
Angélica Cathariou – Mezzosoprano
Miguel Gálvez-Taroncher- Dirección musical

NOTAS AL PROGRAMA “IVRESSE DE LUNE “
La locura de la luna, símbolo de transformación, se refleja en este concierto de música franco- austríaca compuesta en los años previos al inicio de la I Guerra Mundial. Por orden cronológico, el programa se construye sobre las obras Pavana para una infanta difunta, pieza de 1899 de Maurice Ravel, orquestada en 1910, 5 melodías populares griegas de 1904-06 también de Ravel, la imponente Pierrot Lunaire op. 21 de 1912 de Arnold Schoenberg y los Tres poemas de Stéphane Mallarmé de 1913 de Claude Debussy.
Las obras se enmarcan en una estética, por lo general, rupturista con la música postromántica predominante a finales del s.XIX y principios del s.XX. Estas nuevas generaciones de compositores indagan en nuevos lenguajes compositivos que van desde la tonalidad expandida y la modalidad hasta el atonalismo libre para crear sonoridades y sensaciones nunca antes escuchadas en la música occidental.
Los años anteriores a la I Guerra Mundial son también años de crisis de valores, de nihilismo, así como de ruptura de los consensos sociales en aquella Europa maltrecha.
Los jóvenes compositores no solo rompen estéticamente con el pasado sino también con una concepción burguesa para la que la música era un mero entretenimiento. Ellos se consideran, por derecho propio, verdaderos profesionales de la música y la elevan al altar de la dignidad y el reconocimiento máximos.
La locura de la luna…IVRESSE DE LUNE…

Entradas:

https://www.redentradas.com/?entradas=ivresse-de-lune&provincia=granada&cpro=18&eid=1765

Schwelle en el Festival I ara què? de Manises

Oí decir
Oí decir que hay
en el agua una piedra y un círculo
y sobre el agua una palabra
que ubica al círculo alrededor de la piedra.
Vi a mi álamo que descendió al agua,
vi cómo su brazo bajó a lo profundo,
vi a su raíz implorar noche hacia el cielo.
No me apresuro tras él,
recogí sólo la migaja del suelo,
que tiene la forma de tu ojo y nobleza,
te tomé del cuello la cadena de los proverbios
y adorné con ella la mesa, donde quedaba ahora la migaja.
Y ya no vi más mi álamo.
Paul Celan, De Umbral en Umbral

El próximo día 27 a las 10 y media de la noche estreno Schwelle en el Festival I ara què? de músicas actuales en Manises (Valencia). El estreno estará a cargo de Luis Fernández Castelló como solista de clarinete, la Orquesta de Cuerdas del Festival y un servidor a la dirección.

Casa de la Cultura de Manises. Carrer Major 91, entrada gratuita hasta completar aforo

Os espero!

Schwelle (Umbral en alemán) explora los límites tímbricos y sonoros de los instrumentos de cuerda y del clarinete solista. En Schwelle,
tanto el “conductor” como los intérpretes reaccionan en el momento, al entorno, eligiendo muchos factores de su interpretación en la misma ejecución en concierto. Una serie de posibilidades aleatorias que, en cambio, se nutren de un material complejo y muy exhaustivo que trabaja basándose en tres aspectos: El serialismo, la armonía de jazz y la “permutación” tímbrica. De esa manera, se ofrecen doce cajas que irán sonando en un camino de elecciones al azar y que contienen “gestos” y/o “frases” que también se irán combinando y permutando generando una sensación especular entre el mundo sonoro del clarinete solista y el del ensemble de cuerdas, viéndose o no reflejadas las sonoridad de uno en los otros y viceversa. En definitiva, el timbre, el color, lo “sonoro”, como base, acción y resultado.
“Obra abierta” que abraza el concepto de “conducción improvisada”, en la que el director ejerce de “conductor” de la pieza, tomando
decisiones gestuales, formales, de fraseo, sonoras, tímbricas, de manera libre y sin estereotipos, alejándose, en la medida de lo posible, de la
forma y la estructura preestablecida y de los cánones de tensión-distensión “clásicos” y “populares”.
Los intérpretes participan también de esta “dinámica abierta”, dejando a su libre albedrío numerosos parámetros que deben decidir en función de la evolución de la “performance”, de las reacciones del público y/o de las propias sensaciones o sonoridad creadas.
Así, el interprete se convierte también en co-creador de la obra y la propia obra deviene en ser vivo que nunca aparece idéntico y que se
transforma radical- o sutilmente en función de la interpretación.

#pianoformance -“la máquina temblorosa” Concierto de improvisación al piano y performance improvisada: Raquel Martín y Miguel Gálvez-Taroncher (Jueves 20 de junio de 2019 a las 20:30h)

Lugar: La Casa de los Pianistas. c/Cano y Cueto,15. 41004 Sevilla Entrada: 10€ Hora: 20:30h. Entrada limitada hasta completar aforo. Entradas disponibles aquí , en ticketea o en recepción antes del inicio. El pianista, compositor y director, ofrecerá además un Curso de composición e interpretación (más información abajo) el mismo día en horario de 10h a 12h

Raquel Martín, performance y Miguel Gálvez-Taroncher, piano y composición

“Para pasar a la historia, para durar, hay que ser oscuros. Heráclito lo sabía…” Umberto Eco
…piano_improvisación_clásico_contemporáneo_abierto…
in_gesture matrize_kreis
albedo_remission
(visions of chaos)
casuale_random

El gesto (in_gesture) como “generador” de material artístico, como “vector” de antiforma, como germen de estructural fractales.
La improvisación controlada en base a gestos preconcebidos y la improvisación libre, generan multiples posibilidades de expresión y de comunicación.
Las texturas, los ritmos, las intensidades, los timbres, los intervalos y el contrapunto libre, establecen prioridades, jerarquías inesperadas y se entrelazan en un universo siempre cambiante en el que el “gesto” inicial se difumina y muere en un proceso de desvertebración formal que sólo el oyente/expectante puede ensamblar (o no) de manera coherente.
La antiforma, el azar (casuale_ramdom) como estructura “móvil” (Calder, “chupines y stabiles”), la disyuntiva que se origina entre la decisión “tomada” y la decisión “improvisada” o azarosa, la obra abierta (Eco “dixit”), potente estímulo para el intérprete/creador, permitiendo una conexión más “íntima” con el público, con el “admirante”, con el “visitante”, con el “observante”, con el “paseante” o el “interesado oyente”, en todas sus facetas.
Las citas de música “culta” (clásica y contemporánea) de Mozart, Beethoven, Schumann, Liszt, Schoenberg o la propia música de Gálvez-Taroncher, aparecen como momentos de reflexión, como instantes psicológicos estáticos y, en apariencia, inalterables, en los que la improvisación se adentra desde lo desconocido, amalgamando estilos y sensaciones y desde donde sale reforzada buscando de nuevo el abismo de lo insondable.
La comunicación como sustrato inalienable a la función del músico y a la vocación intrínseca del pianista.
El sonido, las ondas que transportan, vuelan, viajan y nos expresan, en abstracta emoción, nos encuentran y nos unen en el misterioso acto interpretativo-creativo que se produce en la música.
La visión del caos (Klee) inspira con su fuerza este momento de “transformación”, de “difusa reflexión” del mundo sonoro creado el alma del oyente/expectante.
La obra como matriz (matrize_kreis), como contenedor y generador de ideas, como flujo continuo y como bucle atemporal.
Estatismo, tiempo congelado, tiempo dinámico, sorpresa y expectación, superficies rítmicas y entornos métricos que se yuxtaponen o se alejan sin remisión.

La luna como símbolo y paradigma (Lorca), la relación entre densidad, velocidad, peso, materia y tiempo (Chillida en el recuerdo), el Hendecamerón, el “universo elegante” de gravedad, materia oscura y energía, los “ojos felices” (Bachmann) que miran con pasión la música, entre la visión más nítida o enturbiada, la más improvisada o caótica y la más sincera y profunda, sin más… dar vueltas y que los sabios del mundo dicen que un día también morirá.

Crítica de Levante-EMV del Concierto del Palau

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Gracias por la crítica de José Doménech del concierto del Palau del viernes 26. “Como es habitual en los Ensems, hubo obra de encargo: en esta ocasión fue de . Con el título de Cants de Lloança, el autor ofrece una partitura intensa y extensa para un abrumador contingente orquestal que impacta por la complejidad que ofrece el ensamblaje de los cinco solistas con el corpus sinfónico.

Bien estaría volver a programarla: una primera audición, y en estreno, lo hace

imprescindible.” con

Estreno mundial de Cants de Lloança de Miguel Gálvez-Taroncher en el Festival Ensems

26 D’ABRIL DE 2019

Orquestra de València i Spanish Brass

ORQUESTRA DE VALÈNCIA I SPANISH BRASS

City Noir

La descomunal City Noir és una enorme creació simfònica d’uns trenta-cinc minuts de durada. Segons el propi John Adams, la inspiració primordial per a la peça és l’obra de l’historiador Kevin Starr sobre la Califòrnia urbana a finals de la dècada de 1940 i principis de 1950. La “ciutat”, les seues llums i sobretot les seues ombres, no només com un lloc geogràfic sinó com un nexe social, com una font d’experiència sensual inesgotable i plena d’històries.

Sens dubte l’obra transcorre per paisatges que ens recorden l’estètica del Cinema Negre i l’orquestració super-simfònica de la música de jazz s’intercala entre àrees d’altíssima energia sonora i polirítmica i altres paisatges més relaxats.

Sent d’alguna manera la presència de la influència del compositor francès Darius Milhaud que va incrementant la seua “insistència” fins a arribar moments de sonoritat enorme, wagneriana en la seua grandària, molt típica d’altres obres d’Adams com el seu Short Ride on a Fast machine o The Chairman Dances, o el seu Harmonielehre, peces que en el passat vam interpretar conjuntament l’Orquestra de valència i jo. El pols del baterista de jazz i el contrabaix, és l’impuls clar d’aquesta tensa i nerviosa activitat cap a endavant, esquitxada de sols per a saxofó alt, trompeta, trombó, trompa … L’obra té tres moviments: La ciutat i el seu dobleLa cançó és per a tu i Boulevard Night.

Josep Vicent

Iubilum

Iubilum va ser composada durant l’hivern de 1979 a 1980 a Ginebra. Va ser encarregada pels directors del Teatro Colón en celebració del 400è aniversari de la fundació de la ciutat de Buenos Aires. El premier es va celebrar a Buenos Aires el 12 d’abril de 1980 amb l’orquestra del Teatro Colón dirigida per Bruno D’Astoli.

El meu pensament original era escriure una Fanfare, però a mesura que el treball es desenvolupava en la meua ment, sentia que una forma tripartida amb la durada d’una obertura era més adequada. Així, Iubilum va ser composada com una obra de tres moviments titulats Fanfare, Coral i Finale.

Alberto Ginastera

Cants de Lloança

L’obra parteix en la seua concepció de dos textos, Les Trobes en Lahors de la verge Maria (Yoland, escriptora valenciana, 1474) i Der Archipelagus de Friedrich Hölderin, aportant el primer la idea per al títol i el segon gairebé tot el material compositiu, encara que aquest derive parcialment també d’altres idees no relacionades amb l’obra de Hölderin, com alguns textos clàssics de la Mediterrània i esbossos relacionats amb la cultura magribina.

En definitiva, l’obra sorgeix i torna al nostre mar, a les seues ribes i a la sensació expressiva i evocadora que sempre ha fascinat. El poema de Hölderin es refereix constantment a posidó, el déu dels mars, relacionat amb els conceptes de “silenci” i “calma” (Stille en alemany) que utilitze i combine amb el concepte japonès de “Ma” (Espai negatiu: pausa, espai, obertura o interval) i que utilitze en forma d’instants de silenci, de pausa, d’interval de temps “congelat”. Segons la filosofia japonesa, aquest espai pot estar ple d’energia i arribar a un estat de contemplació, la “spacetime o timespace experience”.

L’obra intenta revelar, comunicar, el caràcter i/o significat de cada un dels versos de la secció primera de Hölderin a través de 22 Haikus musicals, moments d’experiència intensa i de concentració en l’acció creativa i interpretativa, que defineixen la construcció mètrica, l’accentuació i les possibilitats de l’hexàmetre original del poema.

Programa:

Alberto Ginastera (1916-1983) – Iubilum; symphonic celebration, op. 51 (1980)(10’)

Miguel Gálvez Taroncher (1974) – Cants de Lloança. Concierto para quinteto de metales. (2018) Encàrrec Festival Ensems

John Adams (1947) – City Noir (2009) (35’)SPANISH BRASS
ORQUESTRA DE VALÈNCIA
Josep Vicent, director

Spanish songbook I de Miguel Gálvez Taroncher

OCNE. Satélites. Antología de Canciones de Desaliento y Esperanza

Lunes, 21 de Enero de 2019

19:30

OCNE. Satélites. Antología de Canciones de Desaliento y Esperanza

NEOPERCUSIÓN

PILAR PUJOL, CONTRALTO

ARIEL HERNÁNDEZ, TENOR

ISABEL PUENTE, PIANO

JUANJO GUILLEM, PERCUSIÓN Y DIRECTOR

RAFAEL GÁLVEZ, PERCUSIÓN

JUAN CARLOS PELUFO, PERCUSIÓN

DANIEL MOZAS, PERCUSIÓN

 

Programa:

VARIOS AUTORES S. XIV Y XV            Cancionero musical de palacio

MIGUEL GÁLVEZ TARONCHER          Spanish songbook I 

GEORGE CRUMB        A journey beyond time (Un viaje a lo largo del tiempo)

Sala:

SALA DE CÁMARA

Entradas

Concierto de alumnos en Aix-en-Provence

Este fin de semana, mi alumno Raúl Jáimez y el Trío Albaicín de Granada interpretarán algunas de mis obras en sendos conciertos en el Ciclo de Printemps Artistiques de Villes Jumelles. Os adjunto los programas y la información en francés.

Hemos trabajado las obras conjuntamente y hemos disfrutado investigando y adentrándonos en el sugerente mundo de la música contemporánea de vanguardia,

Hasta la próxima entrada del blog, Amicalement!

Trío Albaycin de Grenade :

Le trio Albaycin est composé de trois musiciens grenadins qui travaillent ensemble depuis 2010, ce sera leur premier concert hors de l’Espagne.

Isaac Villalba (né en 1992) a fait ses études supérieures de piano à Séville et a obtenu un master d’interprétation musicale à l’université Alfonso X le Sage à Madrid. Il donne régulièrement des concerts en Espagne et participe à plusieurs concours.

Carlos Trancho (né en 1999) a fait ses études supérieures de violon à Baza avec le professeur Juan Manuel Vélez. Il complète actuellement sa formation en plusieurs lieux d’Espagne.

Raúl Jáimez (né en 1993) a fait ses études supérieures de violon à Baza et continue sa formation à l’Université de Grenade où il suit actuellement les cours de licence. Il complète sa formation par des cours de composition avec le professeur Miguel Gálvez Taroncher.

 Samedi 5 mai

Siete Canciones Españolas – Manuel de Falla (1876-1946)

(arr. Paul Kochanski)

– Paño moruno

– Nana

– Canción

Slow motions (arrangement pour violon solo) – Miguel Gálvez Taroncher (1974 -)

Fantasía Baetica – Manuel de Falla

 Dimanche 6 mai

Adiós a la Alhambra – Jesús de Monasterio (1836-1903)

Gestus – Miguel Gálvez Taroncher (1974 -)

Danzas Españolas nº5 ‘’Andaluza’’ – Enrique Granados (1867-1916)

(arr. Fritz Kreisler)